Los 10 cómics más controvertidos de los años 60, clasificados

Los años 60 fueron una época relativamente inocente para los cómics. Se les consideraba poco más que un entretenimiento para niños. Las historias de Marvel atrajeron a lectores mayores, pero aún contaban con los tipos de historias que los niños podían disfrutar. Hubo pocas historias que generaron algún tipo de controversia real, al menos no como las vistas en décadas posteriores. Pero eso no quiere decir que ciertos temas no provocaran debate entre los lectores.

La época más inocente fomentó discusiones comparativamente inocentes. ¿Quién era más fuerte, Thor o Hulk? ¿Cuál de los intereses amorosos de Archie les gustaba más a los lectores, Betty o Veronica? ¿Podría Green Lantern vencer a Iron Man si alguna vez se enfrentaran? Esos eran los tipos de argumentos que en gran medida generaban los cómics. Pero eso no quiere decir que la década no tuviera sus controversias más allá de estos desavenencias especulativas. Y las discusiones a veces iban más allá de quién podría vencer a quién en una pelea.

10 Batman le da a Robin la bofetada que se vio en todo el mundo

World’s Finest Comics #153 (“The Clash of Cape and Cowl,” DC, 1965)

World’s Finest Comics fue el título de equipo de larga duración que presentaba a los dos héroes más emblemáticos de DC. El número #153, por Edmond Hamilton y Curt Swan, era una historia fuera de la continuidad. En “The Clash of Cape and Cowl,” el joven Bruce Wayne cree erróneamente que Superboy es responsable de la muerte de su padre. Cuando Bruce se convierte en Batman, lleva una vendetta contra el ahora adulto Superman. Cuando Batman descubre que el verdadero asesino de su padre es Lex Luthor, los dos héroes se unen para enfrentar a Luthor, quien a su vez mata a Batman.

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El memorable enfrentamiento, sin embargo, no fue entre Batman y Superman. En cambio, fue entre Batman y su joven compañero Robin, quien intenta detener a Batman de seguir su vendetta. Este encuentro es cuando Batman le da a Robin la ahora infame bofetada que se ha convertido en miles de memes en internet vistos en las redes sociales durante los últimos 15 años. En la superficie, la imagen de un Batman adulto golpeando a Robin menor de edad era lo suficientemente inquietante. Bruce era un padre para Dick Grayson, y el panel evocaba connotaciones de abuso parental/infantil. Pero también era un microcosmos de un problema más profundo: la relación en general entre Bruce y Dick, inferida por algunos como inapropiada. Estos lectores ya estaban preocupados por la noción de un adulto poniendo voluntariamente a un niño en peligro como superhéroe. Así que no apreciaron el abuso abierto que se mostraba en este único panel, incluso si era parte de una historia "imaginaria".

9 Los Cuatro Fantásticos derrotan a Galactus - Con un arma conveniente

Fantastic Four #50 (“The Startling Saga of the Silver Surfer!”, Marvel, 1966)

El número #50 de Fantastic Four, de Stan Lee y Jack Kirby, fue el capítulo final de la legendaria trilogía de Galactus. Muchos lectores consideraron el arco como la cúspide de la historia de Lee y Kirby en el primer título de superhéroes de Marvel. Pero algunos también consideraron el final de la trilogía un poco decepcionante. No fueron los Cuatro Fantásticos quienes derrotaron a Galactus y salvaron el mundo, per se. Fue, en cambio, el proverbial conejo cósmico sacado de un sombrero celestial. Así es, Galactus ni siquiera fue derrotado en una pelea, sino por el dispositivo deus ex machina conocido como - el Nullificador Último.

Y nadie lo usó. Fue Reed Richards simplemente empuñando el arma todopoderosa lo que hizo que el repentinamente temeroso Galactus se marchara. Antes de eso, la mayoría de los FF estaban de pie lamiéndose las heridas después de la batalla del número anterior con el Devorador de Mundos. El Vigilante, mientras tanto, había enviado a Johnny Storm en un viaje profundo a través del cosmos para recuperar el Nullificador. Cuando Johnny regresa, Reed se apodera del arma y la apunta a Galactus, y el devorador se rinde. En general, el alcance de la historia de Lee y Kirby fue épico. Pero la derrota elaborada del equipo de un villano tan poderoso fue una decepción comparativa para muchos. Y esa derrota solo llegó a la mitad del número. Así que la "trilogía" fue solo un arco de dos horas y media. La segunda mitad fue un epílogo extendido que preparaba futuras historias.

8 Marvel trae de vuelta a un héroe de la Edad Dorada - Solo para matarlo

Namor the Sub-Mariner #14 (“Burn, Namor, Burn!”, Marvel, 1969)

El Capitán América, Namor el Sub-Mariner y la Antorcha Humana original fueron la Trinidad de los héroes de la Edad Dorada de Marvel. Para finales de los años 60, los dos anteriores habían sido completamente integrados en la entonces Edad Moderna de Marvel. Pero la Antorcha solo se había visto una vez desde los años 50. Es decir, hasta el presunto regreso del personaje en el número #14 de Namor the Sub-Mariner de Roy Thomas y Marie Severin. En esa historia, el aliado familiar de Namor lanza un ataque no provocado en su contra. Pero Namor rápidamente se da cuenta de que su atacante llameante está siendo controlado por el pensador loco. Su control mental es parte del último plan del villano para la dominación mundial.

Solo que el antiguo amigo que atacó a Namor no era la Antorcha Humana original en absoluto. En cambio, era su compañero de antaño, el ahora adulto y dotado de poderes Toro. Toro se da cuenta de quién es solo cuando rompe el lavado de cerebro del pensador. Lo cual no ocurre hasta la penúltima página del número. En la página final, Toro sacrifica heroicamente su vida para detener el plan del pensador. Para resumir: Marvel trajo de vuelta a un querido héroe de la WWII por exactamente un número, no reveló quién era realmente hasta el final y luego lo mató. Lo que significaba que los lectores vieron a Toro como Toro durante exactamente una página. El personaje podría no haber sido uno de los héroes más recordados de la época. Pero Toro merecía algo mejor que un regreso fatal, que se pierde en un abrir y cerrar de ojos.

7 Lois Lane coquetea con el padre de Superman, Jor-El

Superman’s Girl Friend, Lois Lane #59 (“Lois Lane’s Romance with Jor-El,” DC, 1965)

La relación entre Superman y Lois Lane a lo largo de las décadas ha sido... interesante. A lo largo de los años 60, DC dedicó gran parte de la serie titular de Lois Lane a su búsqueda interminable pero siempre infructuosa de su chico ideal, Superman. En el número #59 de Superman’s Girl Friend, Lois Lane de Jerry Siegel y Kurt Schaffenberger, el enfoque de Lois esta vez es viajar atrás en el tiempo y salvar a Krypton. Después de todo, ¿qué mejor manera de conquistar a un hombre que salvar su planeta natal? Pero mientras está allí, Lois también decide que sería una buena idea intentar coquetear con nada menos que Jor-El, el padre biológico de Superman. Todo mientras Kal-El todavía es un niño.

Así que, así, Lois toma prestada una máquina del tiempo convenientemente ubicada y viaja de regreso a un Krypton aún intacto. Con ella van los planos que robó de un científico que podrían potencialmente detener la destrucción de Krypton. Jor-El construye el dispositivo, pero desaparece cuando Brainiac roba y encoge la ciudad de Kandor. Con su plan frustrado, Lois decide que, ya que ha fracasado repetidamente en ganarse a Superman, podría intentar conquistar a Jor-El. Pero sabiamente decide regresar a la Tierra en el presente, antes de que Krypton finalmente explote. La historia altamente contrived de Siegel fue típica de tales historias de la época. No tan típica, sin embargo, era la inquietante noción de Lois tratando de conquistar tan ansiosamente y egoístamente a Jor-El. Un hombre que no solo era el padre de su enamorado, sino que además estaba casi comprometido con Lara ya. Número tras número, la serie se centraba en las egoístas búsquedas de Lois. Pero en este, su egoísmo alcanzaba un nuevo nivel.

6 Zap Comix lanza la escena underground de los cómics

Zap Comix #1 (Apex Novelties, 1968)

A finales de los años 60 se vio la aparición del movimiento contracultural. Fue en este momento cuando el creador R. Crumb autopublicó su Zap Comix #1. El cómic de Crumb es ampliamente considerado como el comienzo de la escena underground de los cómics. Zap Comix #1 fue un cómic provocativamente único para su tiempo. Como tal, no fue bien recibido por todos los que se cruzaron con él. La industria del cómic en ese momento estaba en su apogeo con superhéroes bienintencionados, personajes de dibujos animados aptos para niños y las ocasionales historias de romance y guerra. Pero el cómic de Crumb no era nada parecido a ninguno de esos, ni se suponía que lo fuera.

El cómic en blanco y negro era una interpretación decididamente alternativa de temas tabú. Y no todos lo encontraron entretenido. Crumb presentaba temas como racismo, sexo y crimen bajo una luz oscura y cómica. Inicialmente, el cómic no estaba ampliamente disponible. Más tarde fue reimpreso varias veces y pudo encontrarse en puntos de venta no tradicionales como tiendas de discos y tiendas de artículos para fumadores. Zap Comix #1 popularizó la frase “Keep on truckin’” en los años 70. La imagen se vio frecuentemente en camisetas y calcomanías. Crumb publicó números posteriores de manera esporádica. Pero el título se mantuvo durante décadas y fomentó muchos otros cómics de su tipo en los años posteriores. Los cómics underground perdieron popularidad a principios de los años 80. Sin embargo, le siguieron títulos alternativos aclamados como Elfquest de Richard y Wendy Pini, Cerebus the Aardvark de Dave Sim y Maus de Art Spiegelman.

5 Alfred Pennyworth hace el sacrificio supremo para salvar a Batman

Detective Comics #328 (“Gotham Gang Line-Up,” DC, 1964)

Detective Comics #327 inició lo que se conoce como el "nuevo aspecto" de Batman. Aparte del nuevo emblema amarillento del pecho de Batman, su apariencia no era realmente diferente. De hecho, era toda una nueva era para el Dúo Dinámico. Los creadores dejaron atrás los fondos de ciencia ficción que a menudo habían dominado los títulos de Batman. En cambio, Batman volvió a sus raíces como detective. Y renovó su conexión con Gotham mientras se enfocaba más en los crímenes que asolaban la ciudad. El primer número de este nuevo capítulo en la vida de Batman fue bien recibido por la mayoría de los lectores.

No tan bien recibida, sin embargo, fue la tragedia que concluyó el subsecuente Detective Comics #328 de Bill Finger y Sheldon Moldoff. En ese número, Batman y Robin se enfrentan a un conglomerado de mafiosos. Mientras tanto, Alfred Pennyworth había estado haciendo su propia investigación sobre las pandillas. Cuando la mafia está a punto de matar al Dúo Dinámico en un sitio de construcción, Alfred llega a la escena. Pero sin tiempo para advertirles, sacrifica su propia vida para salvar la suya. Sin duda, el sacrificio de Alfred fue heroico. Pero no todos sintieron que fuera necesario. Alfred había jugado un papel crítico en la vida de Batman a lo largo de la mayor parte de la existencia del personaje. Muchos lectores consideraron que la muerte de Alfred fue un recurso sensacionalista para vender la nueva era de Batman. Dos años más tarde, sin embargo, DC reviertió la situación y trajo de vuelta a Alfred en Detective Comics #356. La reversión fue impulsada por la popularidad de la entonces nueva serie de televisión de Batman, que presentaba al personaje.

4 El primer cambio importante en el elenco de Los Vengadores fue… extraño

The Avengers #16 (“The Old Order Changeth!”, Marvel, 1965)

Desde el inicio del título, Los Vengadores fueron anunciados como “Los héroes más poderosos de la Tierra.” En realidad, ese lema disfrazado era solo un seudónimo para “Los personajes más populares de Marvel.” El elenco inaugural del equipo consistía en héroes que habían llevado o compartido espacio en sus propios títulos: Thor, Iron Man, Hulk, Ant-Man y la Avispa. Los Vengadores era un cómic de estrellas en la misma línea que Justice League of America de DC o el predecesor de Marvel, All-Winners Comics. Pero una tradición de Los Vengadores ha sido su elenco en constante cambio. El primer cambio ocurrió en el segundo número, con la salida de Hulk. Y Marvel revivió al héroe de la Edad Dorada, Capitán América, para reemplazarlo dos números después.

Pero Stan Lee, Jack Kirby y Dick Ayers realmente limpiaron la casa en Avengers #16, cuando todos menos Cap abandonaron el equipo. En su lugar llegaron Hawkeye, Quicksilver y la Bruja Escarlata. Tres ex villanos que eran desconocidos para los lectores que disfrutaban de Los Vengadores en exclusiva. Ya no era el equipo una colección de los personajes más populares de Marvel. En cambio, Los Vengadores ahora eran dirigidos por un héroe de larga data pero un recién llegado al equipo y consistían en personajes que habían tenido relativamente poco tiempo en las páginas. Muchos lectores estaban descontentos con el drástico cambio. Estos no eran los héroes más poderosos de la Tierra. Giant-Man (ahora Goliath) y la Avispa regresarían al año siguiente. Pero salvo una aparición especial en Avengers Annual #1, Thor e Iron Man no regresarían hasta mucho más tarde. El número Avengers #16 dio inicio a una era controvertida en el título que duró varios años, una que no fue recordada con cariño por todos.

3 La ejecución de Superman por Lex Luthor

Superman #149 (“The Death of Superman!”, DC, 1961)

DC era bien conocida a lo largo de la Era de la Plata por su tendencia a contar "historias imaginarias". Es decir, si los escritores pensaban en una buena historia que no encajaba en la continuidad, simplemente la llamarían imaginaria y seguirían adelante. Arguiblemente, la más conocida de estas es Superman #149 de Jerry Siegel y Curt Swan. La portada proclamaba una “novela imaginaria” titulada “¡La muerte de Superman!”, y la entregaba. La sensacional portada de Swan fascinó mórbidamente a niños en todas partes, que simplemente tenían que leer un cómic donde Superman realmente muere. Aunque fuera "falsa".

Pero no es como si Superman pereciera heroicamente en batalla o diera su vida para salvar a uno de sus amigos. No, en cambio, es metódicamente traicionado, capturado, torturado y ejecutado por, ¿quién más?, el criminal que creía que se había reformado, su archienemigo Lex Luthor. Superman no muere luchando contra un monstruo en las calles; en cambio, muere a manos de otro tipo de monstruo por completo. Todo mientras está monotonamente atado a una mesa de ejecución en el laboratorio de Luthor. Luthor le somete a una exposición letal a la Kryptonita, jactándose todo el tiempo mientras el Hombre de Acero se torna de un verde enfermizo y se retuerce de agonía. Después, Luthor presume de su triunfo ante sus cómplices criminales. En una habitación adornada con réplicas de los momentos de la muerte de su enemigo, por supuesto. Superman #149, francamente, fue una historia espantosa y malintencionada. Una que indudablemente horrorizó a los niños más pequeños que la encontraron. Las futuras historias que presentaban la muerte de Superman al menos le darían al Hombre de Acero despedidas algo más significativas.

2 El Profesor X revela que ama a su alumna, Jean Grey

X-Men #3 (“Beware of The Blob!”, Marvel, 1963)

Los X-Men todavía se encontraban en sus días formativos en el número #3 de X-Men, de Stan Lee y Jack Kirby. Lee y Kirby todavía estaban estableciendo dinámicas entre los personajes, con la adición de la reciente alumna Jean Grey. Pero en este número, el equipo creativo también lanzó una revelación sorprendente y bastante perturbadora en la mezcla. Al salir en una misión, Charles Xavier le dice a Jean que tenga cuidado. Y luego, en sus pensamientos, confiesa su amor hacia ella.

No es como si Charles hubiera hecho que sus sentimientos fueran conocidos al equipo o alguna vez hubiera actuado en consecuencia. Y sus sentimientos, afortunadamente, nunca más se mencionaron en esa era del título. Quizás dándose cuenta de que la revelación fue una mala idea, Lee sabiamente dejó caer la trama. Pero la idea fea nunca realmente se fue. Más de una década después, X-Men #101 de Chris Claremont y Dave Cockrum intentó poner el genio de vuelta en la botella para siempre. En la historia, Charles describe a Jean como solo alguien que “pensó” que amaba. Dos décadas más tarde, la entidad psiónica Onslaught reveló los pensamientos originales de Charles a Jean en X-Men (2ª serie) #53 de Mark Waid y Andy Kubert. La historia original que comenzó toda la idea se titulaba “Beware the Blob.” Pero desde el principio, no era el Blob de quien Jean debía tener cuidado.

1 La nueva Wonder Woman no era tan maravillosa

Wonder Woman #178 (“Wonder Woman’s Rival,” DC, 1968)

Los tiempos estaban cambiando, y en 1968, DC decidió que era tiempo de que Wonder Woman también cambiara. Abandonando el disfraz estrellado que el personaje había usado durante más de 25 años, DC intentó darle a Diana Prince un aspecto más moderno. Los cambios comenzaron en Wonder Woman #178 de Denny O’Neil y Mike Sekowsky. En el siguiente número, no solo se deshace de su disfraz, sino también de sus poderes cuando las Amazonas deciden abandonar la Tierra. Esto dio paso a una era radicalmente diferente para Diana, quien aprendió artes marciales para compensar la pérdida de sus poderes.

La era no fue exactamente aclamada universalmente. Las características icónicas del personaje - su avión invisible, el lazo de la verdad y las pulseras que desvían - desaparecieron. En su lugar, había un nuevo estatus quo desconocido y mal ajustado. No hay duda de que el personaje necesitaba un impulso. Y Wonder Woman fue reavivada, más de una vez, décadas después. El primer intento de DC por reinventar a Diana Prince solo logró quitar lo que los lectores de larga data disfrutaban del personaje. La editorial no estaba realmente arreglando a Wonder Woman tanto como simplemente intentando algo nuevo para ver si pegaba. Funciona, durante cuatro largos años, pero nunca realmente funcionó. Así que en 1972, DC restauró los poderes y el disfraz de Wonder Woman, y para mejor o para peor, puso a la franquicia de vuelta en su lugar. Y, esencialmente, reconociendo uno de los mayores errores de los cómics de la década.