Las 25 mejores películas de mafiosos y gángsters de todos los tiempos

Puede que el crimen no sea rentable, pero da lugar a películas brillantes. Los criminales organizados, en particular, siempre han sido uno de los temas favoritos de Hollywood: trágicos antihéroes deshechos por sus peores instintos. Lo que comenzó como un comentario social en la época de la Ley Seca se ha convertido en uno de los géneros cinematográficos más importantes, con clásicos que lo demuestran.

Las películas de gángsters siguen siendo convincentes como el lado oscuro del sueño americano. Sus protagonistas desafían el orden establecido, lo que les confiere el aspecto de forajidos inconformistas, sólo para pagar un precio muy alto por su egoísmo y su extralimitación. A continuación, 25 de las mejores, en orden ascendente.

Ray Winstone nació para interpretar a un gángster, y Sexy Beast le plantea a su personaje un dilema difícil de resolver. Retirado de la vida criminal, se queda cociéndose lentamente y redondeándose al sol español. Entonces aparece uno de sus antiguos socios, interpretado a la perfección por Ben Kingsley, y le exige que participe en otro trabajo.

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Los resultados no tienen tanto que ver con el atraco en sí como con la lucha de voluntades entre los dos personajes. Ambos prefieren morir antes que ceder su posición, lo que da un giro totalmente inesperado al final del segundo acto. La película no se limita a plantear la cuestión de si es mejor quemarse que desaparecer, sino que ofrece una respuesta insólita y, de paso, da una vuelta de tuerca al género.

La inmaculada adaptación de Brian De Palma de la ficticia serie de televisión transforma la película de gángsters en un mito épico. Al Capone gobierna un reino de alcohol y violencia durante la Ley Seca, sólo para ser frustrado por el caballero blanco de Eliot Ness y un pequeño escuadrón de incondicionales agentes de la ley. El bien sólo triunfa asumiendo la corrupción de la comunidad, o como dice Ness: "Me he convertido en lo que he contemplado, y me conformo con haber hecho lo correcto".

De Palma ofrece un escenario más grande que la vida real con unos valores de producción excelentes. El vestuario y la escenografía se complementan con un ametrallador guión de David Mamet y una magnífica partitura de Ennio Morricone. Junto con un reparto de estrellas consagradas y futuras estrellas -encabezado por Sean Connery en su papel ganador de un Oscar- confiere la seriedad adecuada al drama épico.

A las películas de gángsters les encanta centrarse en los jefes, pero las verdaderas historias suelen estar en las bases. Luc Besson encuentra un tema irresistible en el asesino a sueldo titular de Jean Reno: un robot casi literal que lleva a cabo asesinatos perfectos por una miseria. Descubre su humanidad cuando una niña huérfana (Natalie Portman en un debut impresionante) aparece en su puerta. Irónicamente, eso puede costarle la ventaja que le ha mantenido con vida.

Besson dirige El profesional con estilo y elegancia, sobre todo en las escenas de acción, que despliegan su esperada creatividad. Pero nunca lo hace a expensas de los personajes: incluso el policía corrupto y exagerado de Gary Oldman tiene cierta base en la realidad. En el proceso, El profesional demuestra cómo el crimen organizado explota y abusa incluso de sus miembros más útiles sin darles nada a cambio. Leon sólo encuentra la plenitud cuando se escapa.

David Cronenberg no hace películas policíacas muy a menudo, pero cuando lo hace, suelen sobresalir del resto. Dos años después de que Una historia de violencia arrancara el agradable barniz de la justicia por mano propia, Promesas del Este se sumerge sin piedad en la profundidad de la depravación humana. La comadrona que interpreta Naomi Watts intenta alejar a un bebé de las garras de la mafia rusa, cuyo siniestro líder lo considera una prueba incriminatoria.

Lo que sigue es espeluznante -incluso horripilante en ocasiones- y deja al espectador sin ningún lugar donde esconderse. Cronenberg disecciona la cultura venenosa de sus personajes mafiosos como un cirujano experto, con especial énfasis en los tatuajes que luce el imponente lugarteniente de Viggo Mortensen. La lealtad lo es todo e incluso los recién nacidos pueden ser sacrificados en nombre del poder. Su final comparativamente feliz no diluye esas inquietantes verdades.

John Woo nunca tuvo en América el éxito que tuvo en Asia. Hollywood castiga a los pensadores originales. A Better Tomorrow revitalizó su carrera tras una serie de decepciones y le proporcionó éxito internacional con su convincente narración sobre dos hermanos en lados opuestos de la ley.

En A Better Tomorrow no se discute el estilo sobre la sustancia. El estilo es la sustancia, con elegantes y sorprendentes decorados que reflejan la vida interior de sus torturados protagonistas. La película también supone la primera colaboración de Woo con la estrella Chow Yun-Fat, que se adapta al material como un guante. Se le atribuye la creación del subgénero del "derramamiento de sangre heroico", que tanto el actor como el cineasta consolidaron en producciones posteriores.

La mayoría de las películas de gángsters ven la ley con escepticismo e incluso pintan a la policía como poco más que gángsters legitimados. Esto contribuye a dotar al género de un trasfondo subversivo. Ninguna película lo subraya como Infernal Affairs: tan buena que hasta Martin Scorsese tuvo que hacer un remake.

Al igual que A Better Tomorrow, se centra en dos personajes en lados opuestos de la ley. En este caso, ambos son topos: uno se une a la policía para servir como espía de un mafioso, el otro se infiltra en la mafia a instancias de la policía. Infernal Affairs se centra en el suspense mientras los dos caminan por la cuerda floja de lealtades contradictorias mientras se rodean lentamente el uno al otro. Con el tiempo, resulta imposible distinguir un bando del otro: un arenal moral que ninguna otra película entiende tan bien como ésta.

Get Carter perfecciona otro tropo común en las películas de mafiosos: el soldado leal que está harto. El director novel Michael Hodges se anota un tanto al conseguir que Michael Caine encarne al soldado, un pesado londinense que regresa a su ciudad natal para investigar la muerte aparentemente accidental de su hermano. Acaba declarando la guerra al sindicato local contra las órdenes expresas de sus jefes en Londres.

Los fans de la franquicia John Wick reconocerán la fórmula, que enfrenta a toda una organización con un hombre inteligente e implacable que quiere cobrar lo que cree que se le debe. Caine domina la pantalla, y su brutalidad práctica viene acompañada de una dosis de perspicacia moral. Es consciente de su complicidad en este mundo, lo que le da una sensación de rectitud al derribarlo. No hay antihéroes más memorables.

El crimen surge de la pobreza, algo que Ciudad de Dios recuerda a sus espectadores. Ambientada en una de las favelas más pobres de Río de Janeiro, narra el ascenso y la caída de otra banda de jóvenes que se convierten en señores del crimen local a base de asesinatos y derramamiento de sangre. Su estilo de vida no tiene nada de glamuroso, y sus actos apenas los elevan por encima de la pobreza que los rodea.

La desesperación es el mensaje más claro de la película. Cuando los seres humanos viven sin esperanza, sus mejores ángeles se sacrifican rápidamente en nombre de la supervivencia. Los criminales de la película son poco más que niños, y aunque se convierten en monstruos, nunca cambian de naturaleza. Ciudad de Dios revela la desgarradora tragedia de todo ello, centrando la atención en la causa más que en el efecto. Deja a los espectadores atónitos, preocupados y con mucho más en lo que pensar que en un atraco.

Junto con Little Caesar y The Public Enemy, Scarface catalizó el género de gángsters hasta su forma actual. Llegó cuando aún estaba en vigor la Ley Seca, y figuras como Al Capone ocupaban los titulares por sus excesos de riqueza y sus actividades delictivas. Howard Hawks basó su película en el ascenso y caída de Capone, con Tony Carmonte, interpretado por Paul Muni, asesinando para llegar a lo más alto de los bajos fondos de Chicago.

La película coquetea con la exaltación de su antihéroe -los fans del remake más reciente de Brian De Palma reconocerán el tono-, lo que provoca cambios en el guión y una advertencia casi cómica del tipo "el crimen no paga". Pero la película comprende muy bien lo convincente que puede ser su tema, y aunque su protagonista es asesinado, no lo haría de otra manera.

Las divisiones de clase desempeñan un papel central en El largo Viernes Santo, en la que el gángster londinense de Bob Hoskins entra en conflicto con el IRA. Él y su esposa (Helen Mirren) intentan ser legales, pero se dan cuenta de que ser nuevos ricos es casi tan malo como ser delincuentes. A medida que su enemigo se acerca, tienen que encontrar una forma de escapar mientras se encuentran atrapados entre dos mundos.

Es el show de Hoskins desde el principio: un despiadado jefe de la mafia que intenta pasar a ser un buscavidas de los de toda la vida. A medida que avanza la película, vuelve a las andadas sin comprender lo poderoso que es realmente su enemigo. Su destino final parece inevitable y, sin embargo, no se da cuenta hasta el final: un pez gordo que nunca se da cuenta de lo pequeño que es su estanque.

Ninguna película ha captado mejor la loca emoción de un atraco que Gun Crazy. Su protagonista es un experto tirador que se encuentra haciendo trucos en una feria, sólo para enamorarse de su atractivo y profundamente desquiciado compañero francotirador. Juntos inician una ola de crímenes que sólo puede acabar de una manera: una inspiración temprana para la innovadora Bonnie and Clyde.

El director Joseph H. Lewis sobrepasó todos los límites permitidos por la censura de la época. La pareja encuentra excitante la violencia y equipara la adrenalina de sus atracos con el acto sexual. Esa intensidad alimenta un argumento despojado, que Lewis enfatiza en sus escasas escenas de suspense.

El movimiento indie de los noventa alcanzó su punto álgido con Pulp Fiction, que consolidó el estatus de Quentin Tarantino como niño prodigio del cine. Tarantino crea una epopeya posmoderna de cabriolas interconectadas, pintando al mismo tiempo una imagen surrealista del underground de Los Ángeles. Todos los personajes son conscientes de su condición artificial, pero también crean fuertes vínculos emocionales, a veces con antiguos enemigos, que a menudo les ayudan a sobrevivir.

Más que la fascinante trama y los diálogos estelares, lo que define Pulp Fiction es el amor por el cine. No es de extrañar que atrajera a un reparto tan excelente: Bruce Willis y John Travolta dieron un gran impulso a sus carreras y Samuel L. Jackson y Uma Thurman, entre otros, se convirtieron en estrellas. Tan oscura y violenta como suele ser, celebra el género como ninguna otra película.

Heat podría describirse como el mejor juego de policías y ladrones jamás jugado. También es la primera vez que dos de los actores más célebres del género, Al Pacino y Robert De Niro, comparten pantalla. El primero es un policía condecorado cuya vida personal es un caos porque no puede dejar de perseguir ladrones. El segundo es un gélido ladrón de lujo que busca un último gran golpe.

El director Michael Mann los enfrenta en medio de un Los Ángeles que parece tragárselos enteros. Los golpes llegan con magra eficacia, coronados por el mayor atraco a un banco jamás filmado. (Christopher Nolan se inspiró activamente en él para la apertura de El caballero oscuro.) Los dos líderes que lo protagonizan llegan a respetarse mutuamente y a reconocer su conexión en la conclusión perfecta de la película: desafiar la inminente indiferencia de la ciudad.

Martin Scorsese es el rey reinante de la saga policíaca, y Mean Streets es su fiesta de presentación, así como el comienzo de su larga asociación con el actor Robert De Niro. El actor forma dúo con Harvey Keitel, interpretando a mafiosos de poca monta que intentan sobrevivir en la Pequeña Italia de Manhattan. Los dos son amigos, pero el Johnny Boy de De Niro es impulsivo y temerario, mientras que el Charlie Cappa de Keitel es más reflexivo y circunspecto.

A través de ellos dos, la película explora uno de los grandes temas del cine de gángsters: la incómoda relación entre la violencia y el control necesarios para una empresa criminal. Los instintos despiadados de Johnny Boy le mantienen con vida, pero chocan con su impulsividad, que parece destinada a meterle una bala en la cabeza. Depende de Charlie sopesar los costes y pagar el pato espiritual cuando llegue la cuenta final.

James Cagney pasó buena parte de su carrera tratando de distanciarse de las películas de mafiosos que le convirtieron en una estrella, y por las que ahora es irónicamente más conocido. White Heat le atrajo de nuevo con el papel de su vida: el psicótico matón Cody Jarrett, que ama a su madre y dispara a la gente a partes iguales. Durante una temporada en la cárcel, la policía le planta un topo en sus filas, viajando con él cuando se escapa y conspirando para destruirle desde dentro.

Como en tantas otras películas de gángsters, el villano es el centro de atención. El Jarrett de Cagney es errático en extremo, lo que significa que el público no tiene ni idea de lo que puede ocurrir a continuación. El actor hizo un arte de encontrar la humanidad en sus mafiosos. Aquí, se deshace de ella y crea uno de los mejores villanos del cine.

Hay algo más que un poco de comedia en la soberbia oda de los hermanos Coen a las películas de gángsters: truculentas y negras como la medianoche, pero nunca lejos de los acontecimientos. Su universo alegremente amoral es el escenario ideal para un riff de Cosecha Roja de Dashiell Hammett. Tom Regan, el consigliere de un benévolo mafioso irlandés, se convierte en un granuja cuando su jefe inicia una desacertada disputa con un hambriento lugarteniente y tiene que mantenerse con vida el tiempo suficiente para que todo salga bien.

La guerra de bandas de la película es la política maquiavélica en su forma más diabólica. Aquí todo el mundo está sucio, así que todo el mundo es presa fácil. Los Coen añaden su característico ingenio sangriento, coronado por una impactante mirada a lo que la subametralladora Thompson puede hacer a un ser humano, y se deleitan con los sorprendentes giros de la incipiente guerra de bandas. Pero la verdadera alegría de Miller's Crossing reside en ver a Regan escabullirse de camisa de fuerza tras camisa de fuerza: un zorro inteligente siempre medio paso por delante de los sabuesos.

Las películas de gángsters tradicionales se presentaban como un comentario social contemporáneo que ponía en primer plano cuestiones como la pobreza y los prejuicios. Boyz N The Hood es un excelente recordatorio de que esos problemas no han desaparecido. Contempla el crimen organizado desde la perspectiva de los barrios que lo sufren, donde el racismo niega oportunidades legítimas y fomenta la violencia a su paso.

Esas condiciones destrozan las vidas de los jóvenes protagonistas de la película, que más o menos sólo intentan vivir sus vidas. Cuando uno de ellos es abatido, el potencial perdido resulta desgarrador. Mientras que otras películas de mafiosos utilizan los problemas sociales como excusa apresurada, Boyz N The Hood los convierte en su razón de ser, convirtiéndose en la conciencia inquebrantable del género en el proceso.

La obra maestra del cine negro de Orson Welles se adentra en el corazón del crimen organizado, esta vez señalando con el dedo a la ley. Su Hank Quinlan es casi una caricatura de policía corrupto: corpulento, perezoso y alegremente amoral. Dirige la sórdida ciudad fronteriza de la película colocando pruebas e inculpando a quien le conviene, sólo para perderlo todo cuando implica a la esposa de un fiscal mexicano.

Touch of Evil es quizá más sorprendente por lo abierta que es su corrupción. Quinlan apenas disimula sus planes y se muestra sorprendentemente eficaz a la hora de influir en los demás para que le sigan la corriente. Es uno de los jefes mafiosos más memorables de la historia del cine. La diferencia es que lleva una placa y codifica las ideas definitivas del género sobre la ley.

ALittle Caesar se le atribuye la cofundación del género de gángsters junto con The Public Enemy y Scarface. Tiene la ventaja de haber llegado primero, y todas las películas de gángsters desde entonces le deben mucho. El patrón es inconfundible, ya que su protagonista asciende a la cima del poder, sólo para perderlo todo por la misma violencia y crueldad con la que lo consiguió. La fórmula sigue funcionando casi un siglo después.

Rico Bandello, el delincuente de poca monta interpretado por Edward G. Robinson, se convierte en la personificación del gángster cinematográfico: iracundo, mezquino y en busca de todo lo que pueda conseguir. Sin embargo, está dotado de una especie de alma, y su muerte, aunque esperada, tiene un sentido trágico. El personaje fue el blanco de muchas bromas (Bugs Bunny y Billy Crystal se burlaron de él), pero Robinson borra todo eso en cuanto pone un pie en la pantalla.

Las películas de mafiosos se nutren de la subversión, ya que sus antihéroes criminales se burlan de los poderes fácticos (a menudo igual de corruptos). Bonnie and Clyde destila eso en su esencia más pura, convirtiendo la racha criminal de una pareja de ladrones de bancos de la Ley Seca en un paseo surrealista. La Bonnie de Faye Dunaway y el Clyde de Warren Beatty roban bancos casi por aburrimiento, adictos al poder y deleitándose con su nueva fama.

El director Arthur Penn envía una corriente de puro nihilismo por debajo de su rebeldía juvenil. Ninguno de los miembros de la banda se hace ilusiones sobre su destino final. Simplemente eligen ignorarlo. Vivan o mueran, la idea de volver a sus propias vidas les repugna. Bonnie y Clyde encuentran una amarga poesía en sus esfuerzos por vivir de verdad antes de morir.