10 héroes independientes que cambiaron el cómic

Los cómics independientes han cambiado mucho a lo largo de las décadas. Hubo un tiempo en el que los indies eran el lugar donde empezaba un creador, pero ahora los indies son el lugar al que acuden los creadores de primera fila cuando quieren contar el tipo de historias que quieren contar y no pueden en las Dos Grandes. Empresas como Dark Horse e Image Comics cambiaron el funcionamiento del mercado independiente en los años noventa. Desde entonces, el mercado del cómic independiente ha experimentado un renacimiento, con historias y personajes asombrosos que debutan cada mes.

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Aunque los grandes creadores venden libros, los personajes son los que hacen que los lectores vuelvan. Los cómics independientes han estado protagonizados por héroes increíbles, y muchos de ellos han tenido un enorme efecto en la industria del cómic. Han cambiado la forma en que los aficionados ven los cómics, y muchos de ellos han permitido que el mercado independiente florezca como nunca antes lo había hecho.

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Las Tortugas Ninja llevan tanto tiempo en el candelero que es fácil olvidar que fueron una sensación del cómic independiente a mediados de los años ochenta. Kevin Eastman y Peter Laird crearon el equipo como una forma de ridiculizar los cómics de la década de 1980, en concreto Daredevil y Uncanny X-Men de Frank Miller, hasta el origen de las Tortugas, que se basaba en el accidente con residuos tóxicos que dio a Matt Murdock sus poderes. También aprovecharon la popularidad de los ninjas en los cómics y la cultura pop, y no tardarían en saltar de los violentos cómics en blanco y negro a la pequeña pantalla y las estanterías de las jugueterías. Desde entonces, las Tortugas también han tenido películas y videojuegos, todo ello mientras protagonizaban cómics de Teenage Mutant Ninja Turtles en diversas compañías, todas ellas dispuestas a pagar mucho dinero por la licencia.

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Leonardo, Raphael, Michaelangelo y Donatello fueron las primeras sensaciones indie que llegaron tan lejos. A los tres años de su debut, ya aparecían en televisión, y un año después, su primera línea de juguetes se vendía como rosquillas, facturando mil millones de dólares entre 1988 y 1992. Las Tortugas demostraron lo popular que puede llegar a ser un grupo de héroes independientes, demostrando que no todos los héroes necesitan un logotipo de Marvel o DC en la esquina para convertirse en un icono. Las Tortugas ya no son tan populares como antes, pero han dejado una huella indeleble en la cultura pop.

9 Youngblood lanzó Image Comics

Rob Liefeld se convirtió en una superestrella en libros como New Mutants y X-Force como artista, pero comenzó su carrera en libros independientes años antes. Liefeld creó muchos personajes a lo largo de los años y había plantado las semillas de Youngblood años antes de su debut en Image Comics en libros de prensa pequeña como RAMM #1 y Megaton Explosion #1. El trabajo en DC y Marvel lo dejó aparcado, pero cuando Liefeld y Todd McFarlane apartaron a los artistas más populares de Marvel para formar su propia compañía, Youngblood resurgiría en Youngblood #1, el primer cómic de Image Comics.

Youngblood no es innovador por su brillante escritura o su arte, sino porque demostró algo que Marvel y DC no querían admitir por aquel entonces: que los propios creadores podían dibujar, no sólo los personajes. Image Comics se convertiría en una potencia indie, un papel que aún mantiene. Youngblood nº 1 se vendió como rosquillas y es el cómic al que a menudo se atribuye el inicio del boom especulador de los noventa, cuando muchos empezaron a comprar cómics como inversión. El equipo en sí (Shaft, Vogue, Diehard, Combat, Sentinel, Brahma, Photon, Psi-Fire y Riptide) no es importante como personaje. Sin embargo, su impacto en la industria del cómic, tanto positivo como negativo, es innegable.

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Frank Miller se dio a conocer con historias emblemáticas protagonizadas por Daredevil, Batman y Lobezno, que combinaban el cómic de superhéroes con un estilo neo-noir descarnado. Miller fue en parte responsable de la maduración del medio del cómic con The Dark Knight Returns y dejaría atrás a los Dos Grandes para explorar estilos de cómic más allá de los superhéroes. Miller ya utilizaba elementos noir en sus cómics, así que en 1991 se lanzó a por todas y ofreció a los lectores la primera historia de Sin City, "The Hard Goodbye", que comenzó en Dark Horse Presents: 5th Anniversary Special y continuó en Dark Horse Presents #51-62.

Miller era suficiente atractivo por sí mismo para que los lectores se interesaran por la historia, pero la verdadera razón por la que se quedaban era Marv. Marv era una enorme montaña de un hombre, un ejecutor independiente en Basin City, tratando de sobrevivir al municipio corrupto de cualquier manera posible. Marv se convirtió en la mascota de Sin City y apareció en A Dame To Kill For, Just Another Saturday Night y Silent Night. Puede que Sin City fuera un éxito a pesar de todo, y Miller creó muchos grandes antihéroes en sus páginas, pero ninguno fue tan popular como Marv. "The Hard Goodbye" devolvió el protagonismo a los cómics policíacos, cargado sobre los enormes hombros cuadrados de Marv.

7 Usagi Yojimbo creó una legión de héroes antropomórficos al tiempo que utilizaba el folclore japonés para contar décadas de historias

1984 fue un gran año para los héroes antropomórficos del cómic indie. Las Tortugas Ninja no fueron las únicas en debutar, ya que también lo haría otro personaje con un gran efecto en la industria del cómic: Usagi Yojimbo. A diferencia de las Tortugas, Usagi Yojimbo no seguía las tendencias del momento ni nada parecido. Más bien, su creador, Stan Sakai, quería utilizar al personaje para contar historias ambientadas en el periodo Edo de Japón, basando al personaje titular en el famoso espadachín Miyamoto Mushashi. En un principio, Sakai pretendía que el libro tratase sobre humanos, pero tras dibujar un copete a modo de orejas de conejo, decidió tomar una dirección completamente nueva.

Usagi Yojimbo no es tan popular como las Tortugas Ninja Adolescentes Mutantes, pero aun así el personaje tuvo un enorme impacto en la industria del cómic. Las historias de Usagi son una piedra angular de los héroes antropomórficos indie, y su éxito a lo largo de las décadas fue otro ejemplo de creación indie que sobrevive fuera de la órbita de las Dos Grandes. Stan Sakai también contribuyó a popularizar el folclore japonés entre el público estadounidense, presagiando el boom del manga y el anime décadas antes de que empezara.

6 Invencible dio a los lectores un superhéroe adolescente más realista y tuvo un crossover Marvel histórico

El guionista Robert Kirkman creó muchos personajes de género mientras trabajaba como independiente, y varias de sus creaciones se convirtieron en fenómenos culturales. Kirkman y el artista Cory Walker se unieron en 2003 para crear un superhéroe totalmente nuevo que daría origen a todo un universo de personajes relacionados en Invencible. Mark Grayson pensaba que era el típico héroe legado, que trabajaba con su padre, Omni-Man, el mayor héroe de la Tierra. Sin embargo, pronto se enteró de una terrible verdad: Omni-Man era la punta de la lanza de una invasión de los alienígenas Viltrumitas. Pronto, Invencible se vio envuelto en una guerra sin precedentes; él y sus amigos luchaban contra una fuerza más poderosa de lo que podían imaginar.

Invencible tomó el tropo de Superman -un poderoso héroe alienígena que protege la Tierra- y le dio la vuelta. El libro es conocido por sus sangrientas batallas de superhéroes de alto octanaje, en las que Invencible se enfrenta a sus enemigos en peleas realistas con superpoderes. Invencible fue el primer gran superhéroe indie del siglo XXI, algo que no había sido realmente popular desde el lanzamiento de Image a principios de los noventa. Universos de superhéroes independientes posteriores, como el Universo Masivo, deben su existencia al éxito de Invencible. El personaje incluso formó parte de un crossover con Spider-Man en Marvel Team-Up, algo que no había ocurrido antes ni después con ningún héroe indie. Invencible llegó a tener tanto éxito que el personaje incluso consiguió una serie de animación en Amazon Prime, dando vida a su historia para una nueva generación de fans.

5 Rick Grimes lideró un renacimiento zombi y se convirtió en una estrella multimedia

The Walking Dead se convirtió rápidamente en un monstruo del cómic independiente. Los zombis nunca fueron tan populares como los vampiros, especialmente en los cómics, pero The Walking Dead lo cambió todo. Robert Kirkman, Tony Moore, que dibujó el primer arco argumental del libro, y Charlie Adlard, que dibujó el resto de la serie, llevaron a los zombis a la primera línea del género de terror, y lo hicieron centrándose en las personas afectadas por el apocalipsis zombi, lideradas por el ex ayudante del sheriff Rick Grimes. Rick Grimes era un personaje brillante, que anclaba un enorme elenco de personajes y hacía todo lo posible por guiarlos a través de un mundo en el que los restos de humanidad eran aún más peligrosos que las hordas de muertos vivientes.

Rick fue sin duda el personaje más popular de los cómics de The Walking Dead, y esa popularidad pronto se extendió a la adaptación televisiva de la serie, donde Andrew Lincoln encarnó al personaje. Rick es una parte importante de la popularidad de The Walking Dead . Los lectores estuvieron con él desde el primer día, y su liderazgo mantuvo a su grupo en pie en momentos terribles. The Walking Dead no habría sido ni de lejos tan popular sin él, lo que habría cambiado la industria del cómic de forma sutil: el horror zombi no habría alcanzado la misma fiebre, Image no habría tenido un monstruo de ventas que ayudara a impulsar el renacimiento de Image desde finales de los años 00 hasta mediados de los 10, y muchos libros de las Dos Grandes que jugaron con la revolución del horror zombi nunca se habrían producido, lo que convierte a Rick en el personaje de cómic de terror más importante del siglo XXI hasta la fecha.

4 El Dragón Salvaje es el personaje independiente más longevo de un solo creador

Erik Larsen era uno de los Siete de Image y estaba ampliamente considerado como el segundo mejor guionista/artista de Spiderman de principios de los 90, después de Todd McFarlane. Larsen y Rob Liefeld tienen algo en común, ya que ambos debutaron con versiones de sus personajes de Image años antes de que su trabajo en Marvel los hiciera populares. Larsen creó a Paul Dragon para Graphic Fantasy nº 1 en 1982, y un personaje similar apareció como Savage Dragon en Megaton nº 2 de 1986 . Sin embargo, no sería hasta 1992 cuando Larsen finalmente uniría estas versiones dispares del personaje para The Savage Dragon #1, que seguía al personaje titular a través de su vida como miembro de la policía de Chicago y superhéroe. Durante los siguientes treinta y dos años, Larsen crearía una extensa saga para el personaje, creando todo un universo de héroes y villanos, e incluso introduciendo versiones heredadas del Dragón Salvaje para ocupar el lugar de su padre.

El Dragón Salvaje es un icono de Image, a pesar de no alcanzar las cotas de otros personajes de Image por una sencilla razón. El Dragón Salvaje ha estado escrito y dibujado por el propio Larsen durante toda su carrera. Se trata de un récord al que ningún otro cómic se ha acercado; el más cercano es Cerebus, de Dave Sim, que se publicó durante veintisiete años. Esto convierte a Savage Dragon en una parte extremadamente importante de la historia del cómic, y demuestra lo lejos que ha llegado Image en la industria del cómic.

3 Miracleman fue la primera gran obra de superhéroes de Alan Moore y sigue estando entre sus mejores trabajos Relacionado

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En el siglo XXI, Miracleman no es técnicamente un personaje independiente, ya que Marvel ha publicado sus últimas aventuras. Sin embargo, sus años más importantes los vivió como personaje independiente. Miracleman apareció por primera vez en el Reino Unido como Marvelman y era básicamente una copia del Capitán Marvel, creado por Mick Anglo. Marvelman funcionó hasta 1963 y caería en el olvido hasta que un joven escritor llamado Alan Moore le preguntó si podía revitalizar el personaje para Warrior, una antología británica de cómics. Moore tomó las bases del personaje -un hombre que obtiene poderes cuando pronuncia la palabra "¡Kimota!" y sus compañeros, Young Marvelman y Kid Marvelman- y las trajo a los años 80, deconstruyéndolas y haciéndolas mejores que nunca. Finalmente, Eclipse Comics decidió publicar el libro en Estados Unidos, pero había que cambiarle el nombre. Así nació Miracleman .

La serie de Moore sobre Miracleman fue su primera deconstrucción de un superhéroe y se convertiría en una de las favoritas de los aficionados. La vida de Miracleman en los años 50 y 60 se convirtió en un truco, parte de un programa de supersoldados que utilizaba tecnología alienígena para transformar a los humanos en dioses. Miracleman acabaría luchando con quién es y enfrentándose al loco Kid Miracleman, culminando en una brutal batalla en Londres. La etapa de Moore terminó con Miracleman y sus aliados creando una utopía totalitaria, tras lo cual el combo guionista/artista formado por Neil Gaiman y Mark Buckingham se hizo cargo del personaje. Miracleman es un personaje complejo, un héroe que pierde su humanidad al descubrir la verdad sobre sí mismo. Tras la desaparición de Eclipse Comics, Miracleman se convirtió en la manzana de la discordia entre Todd McFarlane y Gaiman, que creían poseer los derechos del personaje. Gaiman ganaría la batalla judicial por el personaje y lo cedería a él y a su universo a Marvel, donde Gaiman y Buckingham se reunieron para terminar la historia que empezaron en Eclipse.

2 Hellboy volvió a poner de moda los cómics de monstruos cambiando la fórmula

El guionista y artista Mike Mignola se hizo un nombre en Marvel y DC, trabajando con los mejores escritores de la industria durante los años 80 y principios de los 90. Mignola dibujó Doctor Strange/Doctor Doom: Triumph And Torment con el escritor Roger Stern. Mignola dibujó Doctor Strange/Doctor Doom: Triumph And Torment con el escritor Roger Stern, Cosmic Odyssey con Jim Starlin, y ayudó a crear el concepto de Elseworlds con Brian Augustyn en Gotham By Gaslight. Sin embargo, Mignola tenía más que ofrecer y abandonaría a los Dos Grandes para crear su propio personaje: Hellboy. Hellboy era un demonio criado por humanos, que apareció después de que un ritual ocultista nazi fuera frustrado por la Oficina de Investigación y Defensa Paranormal. El profesor Trevor Bruttenholm acogió a Hellboy y se convirtió en el arma principal de la BPRD contra las fuerzas oscuras del mundo, luchando contra todo tipo de cosas, desde retornados no muertos hasta horrores cósmicos.

Hellboy ha dado lugar a todo un universo de cómics y personajes de terror, pero su mayor contribución ha sido volver a poner de moda los cómics de monstruos. Los cómics de monstruos de Marvel estaban de moda antes de que la editorial se pasara a los superhéroes, y desde entonces han permanecido inactivos. Hellboy tomó tropos de esas historias -un demonio oscuro convocado a la Tierra para destruirla- y los modificó, convirtiendo a ese demonio en un héroe. Hellboy fue básicamente el rey del terror independiente durante años y sigue protagonizando increíbles aventuras treinta y un años después.

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Todd McFarlane se hizo un nombre como dibujante de The Amazing Spider-Man, convirtiéndose en una superestrella como pocas. Le dieron su propia serie de Spiderman para escribir y dibujar. Sin embargo, su deseo de tener el control sobre sus creaciones y una mejor remuneración le llevaron a convertirse en uno de los principales agitadores de la salida de los Siete de Image de Marvel Comics. McFarlane escribiría y dibujaría su propia serie para la nueva editorial, Spawn. El libro estaba protagonizado por Al Simmons, un mercenario asesinado por sus aliados que hizo un trato con Malebolgia, un poderoso demonio, para regresar a la Tierra como Hellspawn. Spawn tenía un gran poder, pero sólo una cantidad finita, y en el momento en que agotara su poder, sería arrastrado de vuelta al Infierno.

Esa era la premisa de Spawn, , un libro que sigue siendo el título más longevo de Image. Spawn se hizo popular al instante, consolidando su lugar entre los grandes de la industria del cómic. Rápidamente se unió a las filas de Spiderman, Batman, Superman y Lobezno en cuanto a popularidad, y el personaje protagonizó su propia película y serie de animación. Spawn se convertiría en la piedra angular de un imperio del entretenimiento para McFarlane, lo que le permitió fundar su propia empresa de juguetes. Spawn es la creación de mayor éxito de Image Comics y demuestra que incluso los héroes indie pueden alcanzar la cima de la montaña en la industria del cómic.