LeAnn Rimes habla del cuarto de siglo de viaje desde "Blue" hasta su nuevo y conmovedor álbum, "God's Work".

LeAnn Rimes se ha puesto "azul" con algunas cosas últimamente, pero no con un chico. En su nuevo álbum, "God's Work", su^decimonoveno disco de estudio, la cantante aborda los lados más oscuros de la religión y el patriarcado -áreas en las que, para ella, hay cierto solapamiento- además de una ansiedad general inducida por la pandemia que informa de algunos de los materiales más sombríos. Pero el disco es, en última instancia, un éxito, con invitados como Ziggy Marley, Mickey Guyton, Sheila E., Ben Harper, Robert Randolph y Aloe Blacc, que aportan un palpable sentido de comunidad cuando llega a los himnos de amor y aceptación univesal.

Sentada en su casa en las colinas del noroeste de Los Ángeles, Rimes exploró el viaje de más de un cuarto de siglo desde "Blue" -el éxito masivo que la convirtió en un nombre familiar cuando sólo tenía 13 años- hasta la profundidad que ahora posee como veterana de 40 años. Su compañero de profesión desde hace mucho tiempo, el co-compositor y productor Darrell Brown, se unió a la conversación con sus pensamientos sobre lo que está emprendiendo al sacar al mundo música ocasionalmente más provocativa como parte de un viaje de curación que quiere compartir.

"God's Work" tiene pocas marcas del ambiente country en el que empezó, aunque ella oye el extenso solo de acero sagrado de Robert Randolph al final de la canción que da título al disco como un eco de la guitarra de acero que una vez apareció en sus discos de country... y dice que también hay un "yodel primitivo" ahí, si lo escuchas. Pero no tiene reparos en hablar de cómo se ha desviado y vuelto a la senda del country a lo largo de los años -hablando de lugares en los que se siente el patriarcado-, incluso cuando "God's Work" existe en el mundo de lo que ella llama "world-acana", con su mezcla de baladas clásicas de piano pop y ritmos de música global uptempo. Aventurero, logrado y conmovedor, se sitúa entre lo mejor de la obra de Rimes... sea cual sea la intervención que haya tenido o no de un Dios cuyo nombre esta antigua chica baptista estiliza con una G minúscula estos días.

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"God's Work" no es, obviamente, un álbum en el que predominen las canciones románticas de amor.

Rimes: Sí, creo que no lo había pensado así. Pero hay mucho amor en el disco... Siempre supe que "God's Work" sería el título del disco, porque sentía que todo lo que estábamos hablando estaba bajo ese paraguas. Era una exploración para mí de: ¿Podemos superar la naturaleza dualista del blanco y el negro y el bien y el mal? ¿Podemos empezar a vivir dentro de la zona gris, o permitir que al menos esté más presente? Fue una exploración emocional de emociones más desagradables e incómodas que no había tocado realmente en mi trabajo, o incluso para mí misma como persona y como mujer: la ira y la rabia y el dolor y cosas que creo que nos enseñan que no son tan aceptables para sacarlas a la luz. Así que para mí fue una especie de revuelta, una especie de excavación de lo que había estado allí y que no había tocado antes. La mayor parte de este disco se escribió justo después de que todos nos metiéramos en nuestras casas (por la cuarentena). Así que me quedé, como todos, con todas estas emociones difíciles sobre cosas de las que había huido durante mucho tiempo y con las que finalmente tuve tiempo de sentarme. Salió en forma de canción.

En "The Wild", una canción sobre la resistencia al patriarcado, cantas sobre "la persecución de la mujer, la quema ha durado demasiado tiempo, joder" ¿Es esta quizás la primera palabra con "F" en un disco de LeAnn Rimes?

No, no lo es. Es el segundo. [El anterior fue en "Remnants" de 2106] Tenemos un "fuck". Tenemos un "goddamn". Tenemos unas cuantas cosas (así), lo cual es divertido. Es un disco muy interesante porque el título es "God's Work", es decir, sabía lo que estaba haciendo con ese título. [Risas] Sobre todo con una G minúscula.

Sólo tenemos que advertirte: forma parte de la guía de estilo de 's poner en mayúsculas todos los títulos, así que seguiremos con la G mayúscula para el título de ese álbum y de la canción, pero tendremos en cuenta que estilices todos tus títulos con minúsculas, como "obra de Dios", etc.

¡Todo bien! Pero creo que fue un reclamo para mí de esa palabra. Y con mi podcast "Wholly Human" (a través de iHeart), esto fue como aprovechar eso y crear esa idea en forma de música, donde ambos lados, la naturaleza dualista de lo que creo que somos, se explora y no se deja nada fuera. Creo que se trata de devolver a la humanidad la santidad de lo que creo que es la creación, el amor y Dios. Crecí como bautista del sur y me alejé de ello todo lo que pude. Así que en canciones como "The Wild", exploré mi propia sexualidad y la represión de la misma, y todas las formas en las que sentí que tenía que fracturarme para encajar en el molde de lo que la religión, la sociedad y todo lo demás nos decía que debíamos ser. Se trata de recuperar todas esas partes de mí misma y permitir que hablen esas partes que no han tenido voz. Sé que Dios puede ser una palabra muy polarizadora para mucha gente, pero por eso me encanta. Creo que da a la gente la oportunidad, a través de su humanidad, con este disco, de poder reclamar lo que es para ellos mismos. Así que si la gente lo ha visto y ha dicho: "Oh, es un disco cristiano", claro que lo es, si quieres que lo sea. Creo que puedes encontrar lo que buscas en el disco.

Darrell Brown: Cuando empezamos el disco, ella se hizo un tatuaje, y se veía mejor estando todo en minúsculas, y entonces se hizo una foto y puso un post de ello sólo por el infierno. Y entonces toda esa gente dijo: "¡Cómo te atreves! Dios debe ir con G mayúscula". Yo dije: "Bueno, eso es interesante, ya que no había minúsculas ni mayúsculas en aquella época [en el griego original de la Biblia]. Me alegro de que pienses así".

Rimes: Cuando vi que se filtraba, pensé, oh, entonces estoy en el camino correcto, porque todavía estamos aquí hablando de la semántica y de si la G es o no mayúscula en lugar de encarnar realmente el perdón y la compasión y el amor y crear un mundo mejor para los demás. Hay mucha gente que lo predica, pero ¿lo vivimos realmente? Y hay muy pocas personas que lo hacen. Y esa fue la razón de la canción, es decir, ¿podemos superar nuestras diferencias sobre quién está bien y quién está mal y empezar a hacer las cosas que predicamos? Así que eso demostró mi punto de vista. [Risas.]

En la canción "Awakening", cantas sobre la soltura de tu lengua a medida que te vuelves más consciente y franca. ¿Cuál crees que ha sido tu evolución, en términos de poder ser tú mismo y ser más honesto contigo mismo y expresarte? Porque da la sensación de que empezaste a ser mucho más sincera hace unos cuantos álbumes.

Creo que tienes razón. Creo que hay niveles en ello. Con cada disco desde "Spitfire" (en 2013), he estado cada vez más dispuesto a no preocuparme por lo que piensen los demás, y dispuesto a contar una verdad más profunda, mi propia verdad, y creo que probablemente la verdad de muchos otros, sin importar lo polarizante que pueda ser. Siento que estoy haciendo un flaco favor a mi arte si no lo hago. Y creo que eso se ha extendido a todas las partes de mi vida. ... Siento que esto es lo más reciente y expuesto. Estoy hablando de cosas de las que nunca pensé que hablaría en un disco. Y cuando lanzamos "The Wild" (como tema previo al lanzamiento del álbum), dije que sentía que era mi salida del armario. Porque si puedo ir allí, entonces puedo escribir sobre cualquier cosa de mi vida. Una vez que has tocado la religión y la sexualidad, siento que puedes ir a cualquier parte después de eso. [Risas.]

Cuando da conciertos, está representando más de un cuarto de siglo de material y personajes. ¿Sientes que el público ha sido receptivo a escuchar "Blue" y "The Wild" y todo lo demás?

Sí, lo es. Creo que celebramos los 26 años de "Blue" y lanzamos "The Wild" unos días más tarde, y me dije, mira la evolución de hace 26 años a ahora. Lo cual es muy interesante, porque si me dieras "Blue", lo grabaría ahora. Es una pieza tan grande de lo que soy, también. Y sí, la gente lo recibe absolutamente, y todo parece funcionar muy bien. En algunos lugares a los que vamos, pienso: "Oh, veremos cómo se recibe esto esta noche". Ha habido un par de veces en las que pienso: "No sé si debería tocar esta canción", pero lo hago de todos modos, porque pienso: "¿Sabes qué? Esta gente también necesita escucharla". Pasé por eso con "Love is Love" (un single de 2016). Íbamos a ciertos lugares con toda mi perorata antes de la canción sobre la comunidad LGBTQ y mi tío que murió de SIDA. Había ciertos momentos en los que sé que algunos de mi banda y mi equipo decían: "¿Vas a ir allí esta noche?" Y yo decía: "Sí. Voy a ir allí esta noche. No voy a editarme a mí mismo y ellos van a tener que aguantar".

¿Y sabes qué? La gente lo recibe. Creo que quiero dar más crédito a la gente; parece que siempre me reciben de alguna manera. Se hace con amor. Y no tenemos que estar de acuerdo, pero es mi espectáculo [risas], y tú has venido, así que vas a tener una nueva introducción de dónde estoy ahora. La gente viene a escuchar lo que ya conoce, y parece que me conocen mucho más profundamente y mucho mejor una vez que se van. La reacción que obtenemos de "The Wild" en cada concierto es que la gente no para de aplaudir. Lo más interesante es que todos se quedan sentados la mayor parte del tiempo así [hace una pantomima de rigidez] y luego, a mitad de camino, debido al ritmo, empiezan a congelarse. Y luego, al final, están eufóricos. Es divertido de ver.

¿Así que la ranura es la cucharada de azúcar que ayuda a bajar la medicina?

Yo creo que sí. Es decir, esos surcos son - especialmente en "Throw My Arms Around the World" y "The Only" - tan primarios, y especialmente en "The Only", tan alegres. Vive en el cuerpo. Y si la gente no puede pasar de la letra, el ritmo les hipnotiza lo suficiente como para que se hunda, seguro.

¿Se le antoja un aniversario, o se resiste a ello? ¿Cómo fue llegar a ese cuarto de siglo desde el explosivo comienzo de su carrera?

Cuando llegamos a los 25 años, fui un poco reacio a hacer todo lo posible para celebrar el hito. Porque me parecía una eternidad y, al mismo tiempo, no me parecían 25 años. Sentía que me quedaba mucho por hacer, y normalmente cuando la gente celebra los 25 años, son 20 años mayores que yo, por lo menos. Nos dijimos: "Oh, qué bien, 25 años - yay - y aquí tenemos un nuevo capítulo". Siento que celebrar todo eso fue un buen indicador para empezar de nuevo con este disco. Pero es un lugar extraño para estar, para celebrar 25 años a los 39. [Rimes acaba de cumplir 40.]

No es algo que experimente mucha gente.

No. [Risas.] Fue un poco extraño.

Hay algunas cosas vocales increíbles en este nuevo álbum. En cierto modo, es algo habitual en ti: todo el mundo ha quedado impresionado por tu voz a lo largo de tu carrera. Muchas veces, cuando pensamos en artistas que empiezan muy jóvenes, oímos que su voz -su voz literal- va madurando con los años. Pero tú empezaste, vocalmente. Probablemente seas la persona más famosa cuando pensamos en alguien que sonaba como un adulto a los 12 años: ....

[Es cierto. Esa es la parte alienígena de (la nueva canción) "Spaceship": "I never thought I belonged here".

¿Sientes que todavía te estás desarrollando vocalmente de alguna manera?

Se ha profundizado. Trabajo en mi voz más que nunca. Y hay cosas que pasan con la edad. [Pasé dos años y medio sin cantar, excepto en el estudio. Y nunca he trabajado con un entrenador de voz, y acabé encontrando a esta maravillosa mujer cuando hice "El cantante enmascarado". Nunca la habría encontrado si no hubiera perdido mi voz en "El cantante enmascarado", pero me dije: "Bien. Tal vez vaya y compruebe a esta mujer, y tal vez tenga algún truco que yo no conozca". Y acabé conectando con ella tan profundamente. Y yo estaba como, ¿sabes qué? Hay cosas que están cambiando en mi cuerpo - no para peor, es sólo que las cosas están cambiando. Y me dije, tal vez necesito jugar con el entrenamiento de este músculo. Y así lo hice, y todavía trabajo con ella de vez en cuando.

Pero este álbum, en concreto, es un reto vocal. Porque uso todas las partes de mi voz que no sabía que tenía. Siento que mi interpretación de las cosas es obviamente mucho más profunda de lo que ha sido nunca, y las cosas sobre las que estoy escribiendo, me apasionan tanto, que la forma en que sale está tan conectada. Pero sí, vuelvo a escuchar cosas incluso de hace unos pocos discos y me digo, oh, wow, hay un tono diferente. Y fue divertido esforzarme. Algunas de las cosas altas de "Awakening", ni siquiera sabía que podía cantar esas notas. Definitivamente me he empujado a probar cosas nuevas que no había hecho antes.

Mickey Guyton es alguien a quien tienes en el álbum dos veces como invitada. Ha hablado de la influencia y la inspiración que supusisteis cuando ella estaba empezando a cantar, y se unió a vosotros en un especial de CMT "Crossroads" que hicisteis la pasada primavera. ¿Es interesante traer a alguien que ha sido tan fan?

Sí, fue genial trabajar con ella. Fue una de las únicas artistas con las que pude estar en el estudio, ya que grabamos su parte al final de COVID. Así que me encantó su participación en "The Wild", cantando esas letras después de todo lo que ha pasado. Entrar en el estudio con ella, es una súper fan y no puede creer que esté allí, y al mismo tiempo es mi compañera, y me he hecho amiga de ella. Es tan dulce. Para ser honesto, nunca he tenido relaciones con en este negocio, realmente. Quiero decir, Reba, un poco, en cuanto a más de un mentor que nada, pero nunca ha habido nadie de mi edad. Y creo que he empezado a crear esas relaciones con este disco. El aspecto de la comunidad se siente como si se solidificara, dentro de la industria, al menos, al haber construido nuevas relaciones a partir de estas colaboraciones. No es algo que haya tenido en los últimos 25 años, seguro.

¿Había alguna relación entre tú y Mickey en cuanto al estatus que tiene ahora? Ella está en la comunidad country, pero tal vez no de ella, teniendo este tipo de cosas extrañas en marcha donde es como, ella es abrazado, pero tal vez no totalmente abrazado, en términos de tener el juego de la radio. Puede que te haya traído algunos recuerdos de cuando eras más estrictamente country.

Exactamente. Y eso es exactamente sobre lo que se escribió "Spaceship": Creo que nunca he sentido que pertenezco a este mundo. Esa línea fue escrita exactamente por eso: sentir que estoy en este mundo, pero no soy de él. Y especialmente en la comunidad country, es como, oh, estoy en él.... Siento que mi sonido nació de él, especialmente el country de la vieja escuela. Pero casi he sentido que sólo he metido un dedo del pie durante mucho tiempo, si es que lo he hecho, lo que me ha hecho sentir... Ya sabes, me encanta la música country. Pero nunca sentí que pertenecía, o que era completamente bienvenido. Especialmente cuando era niño, había tantas complejidades en esa relación. Desafortunadamente, hay mucho control allí, como en cualquier parte patriarcal de nuestra sociedad. Y yo soy tan rebelde que si sientes que me tienes en una caja, me voy para allá. Y en cuanto creas que me puedes poner en una caja aquí, me voy para allá. Y así, sí, había esa parte de mí que no podía ser controlada y no podía ser etiquetada que creo que la gente no sabía qué hacer con ella. Y ahora es como si la cosa que sentí que era tan poco celebrada sobre mí ahora tiene la oportunidad de ser celebrada. Y definitivamente lo celebro, porque no creo que pueda hacer una cosa musicalmente, nunca, en mi vida.

Brown: No tienes que pedir comida tailandesa todas las noches. Puedes cambiar la comida cada noche si quieres.

Rimes: Sí. Después de todo este tiempo y de todos los discos que he hecho, es muy interesante, porque la industria siempre dice: "La gente tiene que saber qué esperar de ti", y yo digo: "Bueno, ya saben qué esperar de mí: algo diferente cada vez" [risas].

Cuando dijo "lo que no se celebraba de mí", ¿a qué se refería?

Creo que el hecho de que nadie pudiera etiquetarme, y lo intentaron con todas sus fuerzas durante mucho tiempo. Pero cuando "How Do I Live" se cruzó, fue como si, de repente, yo fuera la marginada, porque ¿cómo me atrevo a tener éxito? Y luego, también siendo tan joven, y la gente es como, eres una anomalía. Y luego, al mismo tiempo, piensan que te vas a ir (a otro género o formato), y no lo haces, y dicen: "Bueno, ¿qué hacemos con esto?" Así que creo que lo más importante fue el hecho de que no tenía límites, y no tenía género. No podían contenerme. Y creo que lo mejor de este disco es que por fin he podido plasmar todo eso en un álbum. Y donde los límites de la música estaban realmente dibujados cuando empecé, ahora no lo están. Puedo hacer este disco, puedo sacar un tema de baile y puedo sacar un disco de country si quiero. Eso fue realmente frustrante para la industria en un momento dado, y ahora es como, oh, eso es la norma.

Brown: Lo interesante es que su primer contrato discográfico (con Curb) se basaba en tres tipos de discos diferentes: un disco country, un disco pop y un disco de inspiración. Querían todos esos discos desde que era una niña. Así que, incluso cuando empezó, eso es lo que le propusieron.

Rimes: Sí. Yo era un artista multifacético - como uno, no sólo como una cosa.

A veces resulta interesante especular sobre cómo será la carrera de Mickey Guyton. Si sientes que no eres totalmente aceptado, ¿intentas con más ahínco entrar en esa cosa, como, OK, voy a ser más obstinado en ser aceptado? O finalmente vas, OK, voy a ir y hacer un montón de diferentes estilos y ser completamente libre. Y hay alguien que tiene como un montón de futuro por delante que aún está por determinar. Se remonta a alguna encrucijada en la que has estado.

Bueno, lo genial es que viste cuando escribió "Black

Y para mí, el álbum "This Woman" (en 2005) - me encanta el disco, pero tuve toda una conversación con los que tenían el poder en ese momento. Y me dijeron: "Si haces esto, volverás a ser aceptada por la comunidad country", y lo hice, y lo hice. Al mismo tiempo, hay canciones de ese disco que fueron éxitos número 1 para mí y que no volveré a cantar, porque las hice por esa razón específica. Y aprendí la lección esa vez, y me juré a mí mismo después de ese disco que nunca grabaría nada porque estuviera tratando de encajar en algún sitio o porque alguien me lo dijera. Y tuve que luchar por las canciones de ese disco, como "Probably Wouldn't Be This Way", porque no era lo que todo el mundo creía que iba a volver a abrazar. Ese disco fue un verdadero punto de inflexión para mí, como, tratar de encajar no funciona. ¿Y por qué querría hacerlo?

Recuerdo que cuando tenía 17 o 18 años, lo único que deseaba era ser, entre comillas, "normal" [risas], y recuerdo que a mediados de mis 20 años dije: "Bueno, ese fue el deseo más tonto de mi vida", porque ¿por qué querría ser normal, cuando tengo todos estos dones que puedo compartir y que son tan diferentes? Y creo que ese ha sido mi camino desde mediados de los 20 años: ¿Cómo puedo aceptar mis diferencias? Y creo que gran parte de eso alimenta una canción como "Spaceship", y esa línea de apertura. Realmente habla de mi viaje sintiéndome como un paria durante mucho tiempo. Y ahora el marginado es divertido. Estoy como, ¡sí! Me divierto mucho siendo un marginado.

¿Tiene una descripción estilística para el nuevo álbum?

Especialmente con todos los diferentes ritmos del mundo y cosas que estábamos explorando, Darrell y yo lo hemos llamado "world-acana", porque se siente mucho como eso. En lugar de Americana.

Hay algunas canciones muy a base de piano, y luego aquellas canciones con ritmos muy tribales, a falta de una palabra mejor.

Sí, esos son los dos enfoques principales que teníamos en este disco. Sabía que quería explorar estos ritmos del mundo. Y luego, cuando empezamos a explorar "Awakening" y "Spaceship", nos metimos de lleno en el camino de las cuerdas. No sé cómo lo hicimos funcionar, pero lo hicimos.

"Spaceship" me pareció muy del estilo de Elton.

Oh sí, quiero decir, definitivamente. Lo supe cuando tuve ese título. Y mira, he interpretado "Rocket Man" en mi show muchas, muchas veces. Y es como, si sólo pudiera tener una canción como esa. Y cuando tuve una canción como "Spaceship", me dije, bueno, definitivamente quería trabajar en esa dirección de ese tipo de canción épica. Hay algunos sentimientos de Bowie en ella, también.

Brown: Pero cuando hacemos referencia a artistas como esos, también se trata de tirar de lo que esos artistas tiraron, como el lado del gospel negro. Piensas en la influencia del influenciador... Todo lo que estaba haciendo era ir, como, "¿Qué tocaría Billy Preston, en cuanto a los acordes?".

Algunas de las canciones, como "Awakening", son realmente propulsivas e incluso tensas, aunque algunas de ellas traten de temas que podríamos considerar pacíficos o positivos, como el amor universal o la aceptación. En el caso de algunos artistas, eso es una invitación a pulsar el botón de repetición, pero tú has metido mucha dinámica en ese material.

Rimes: Bueno, esa es la tensión de la vida, ¿no? Cuando hablas de la experiencia colectiva, lo que todos estábamos experimentando en ese momento (durante la cuarentena), quiero decir, había mucha tensión, y luego está esta liberación. Y sí, no queríamos que te durmieras. [Risas] Por supuesto. Creo que "Awakening" es especialmente una montaña rusa. Para mí, esa canción, especialmente, experimentar la tensión interna que ocurre en los momentos de despertar de nuestras vidas, no es cómodo. Pero al final hay una liberación. Y creo que eso era lo que queríamos transmitir sonoramente, esa especie de sensación de agobio, que para mí, en mi viaje, se ha parecido mucho a la depresión. Y entonces se siente como la ansiedad para mí es tanta tensión que se acumula, y luego hay una liberación de como, oh, salí del otro lado de lo que sea que estaba pasando. Y luego vuelvo a entrar en ella de nuevo. Así que creo que hay una especie de flujo y reflujo en la vida que está claro en el álbum.

No te dejo en el bosque oscuro sin haber ido allí yo mismo, y siempre te traigo de vuelta... Especialmente con la religión, es como, aquí está Dios y aquí está la humanidad, y todos somos pecadores y todos somos horribles y todos somos malas personas. Y para mí, es el reclamo de: sí, soy completamente humano, y eso no es algo malo. La humanidad de este disco es muy importante. Así que cuando la gente vea "God's Work", si no se siente completamente desanimada por la idea de Dios, creo que se encontrará con un permiso para reclamar todas esas partes de sí misma que le han dicho que son malas, entre comillas.

Y al final del estribillo, salió todo ese canto primario. De algún modo, meto algo parecido a un yodel en cada disco.

Marrón: ¿Un yodel primario?

Rimes: Es una cosa. Lo he convertido en uno.

Brown: Para esa canción, pensamos, ¿quién es una mujer que puede tocar la batería? Simplemente dices, bueno, Sheila E., que ha pasado por todo. Así que la tuvimos a ella, y luego Mickey se unió a ella... Otra cosa que ocurrió también, es el uso de mujeres ingenieras. Hicimos un esfuerzo para tratar de elevar eso, también, trayendo ese tipo de inteligencia emocional en la habitación también.

Rimes: Sí, absolutamente. Es agradable tener gente en la sala que llore junto a ti, porque eso es lo que hacíamos todo el tiempo.

¿Cómo crees que se sitúa este álbum en la balanza de la escritura confesional frente a la escritura para el universo, o la humanidad?

Creo que es una mezcla de ambos. Es decir, soy parte de la humanidad. Creo que todo lo que escribo tiene un toque personal, pero está muy influenciado por la experiencia colectiva que todos estamos viviendo. Pasamos tres años en este álbum, y uno puede sentirse realmente frustrado: ¿cuándo vamos a sacar este maldito disco? ¿Por qué está tardando tanto? Y entonces (la) revocación de Roe v. Wade ocurrió y "The Wild" se publicó justo después, y es como, no puedes planear eso. Y no escribimos sobre eso, pero es la misma historia que se ha desarrollado desde el principio de los tiempos para una mujer. Así que dices: "Bien, gracias, universo, por la impecable sincronización". Creo que lo que viene a través no es sólo mi energía que estoy aprovechando. Es mucho lo que hay ahí fuera.

En una nota mucho más liviana: ¿qué le pareció hacer "El cantante enmascarado"?

Fue un entrenamiento. Oh, Dios mío. Ese traje era lo más pesado de la vida, y me ataron con la máscara, así que después de cada actuación estaba dolorido, dolorido. Pero fue divertido hacerlo en ese momento. Porque no creo que lo hubiera hecho de otra manera si no estuviera sentada en casa y fuera como, oh sí, ¿por qué no? [Risas] Pero lo disfruté.

Marrón: No escribas nada raro en la portada. Bueno, tal vez...

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